Las 10 películas elegidas por Pedro Almodóvar como las mejores del siglo XXI funcionan menos como un canon que como un mapa. El director español no ordena, no jerarquiza, no propone una historia oficial del cine reciente. Se limita a señalar películas que, vistas desde hoy, siguen activas. Obras que no se agotan en su tema ni en su contexto de estreno, sino que conservan una tensión interna que las mantiene abiertas.
En ese sentido, la lista dice tanto de las películas como de la forma en que Almodóvar entiende el cine contemporáneo: un espacio de búsqueda formal, de narrativas que no tranquilizan y de personajes que no piden comprensión.
Las 10 películas seleccionadas por Almodóvar recorren geografías, lenguas y tradiciones muy distintas. No hay una defensa del cine europeo como bloque ni una mirada nostálgica hacia el autor clásico. Tampoco aparece el gusto por el comentario social explícito. Lo que une a estas obras es otra cosa: la decisión de trabajar con el tiempo, con la intimidad, con el deseo y con la fragilidad de las relaciones humanas sin explicarlas del todo.
Pedro Almodóvar y las 10 mejores películas del siglo XXI
1. Ten (Abbas Kiarostami, 2002)
La película de Abbas Kiarostami ocupa un lugar clave por su forma y por su método. Ten está construida a partir de conversaciones dentro de un auto, filmadas con cámaras fijas. No hay puesta en escena tradicional ni progresión dramática en el sentido clásico. Lo que hay es una observación paciente de la vida cotidiana y de las tensiones que atraviesan a una mujer en el Teherán contemporáneo.
Para Almodóvar, el interés de Ten no pasa por su minimalismo como gesto estético, sino por la precisión con la que Kiarostami registra lo que ocurre cuando el cine se retira un paso. La película confía en la palabra, en el silencio y en el tiempo real como herramientas narrativas. No busca convencer ni emocionar de forma directa. Se limita a dejar que las situaciones se desplieguen.
2. Call Me by Your Name (Luca Guadagnino, 2017)
La película de Luca Guadagnino trabaja el descubrimiento del deseo sin subrayados ni dramatizaciones excesivas. Ambientada en un verano italiano, Call Me by Your Name observa el vínculo entre dos personajes desde una distancia que evita tanto la idealización como el conflicto impuesto.
El interés de Almodóvar por esta película tiene que ver con su forma de narrar una experiencia íntima sin convertirla en un relato de iniciación convencional. Guadagnino construye una historia donde el tiempo importa tanto como los cuerpos. El deseo aparece como algo que se aprende, se pierde y se recuerda, sin necesidad de grandes escenas explicativas.
3. Toni Erdmann (Maren Ade, 2016)
En Toni Erdmann, Maren Ade propone una comedia que incomoda por acumulación. La relación entre un padre excéntrico y una hija absorbida por el mundo corporativo se desarrolla a través de situaciones que bordean el absurdo, pero nunca se desentienden del conflicto emocional.
Almodóvar reconoce en esta película una inteligencia particular para trabajar el humor como herramienta de desgaste. La risa no libera, sino que expone una distancia generacional, afectiva y moral difícil de resolver. Ade filma la incomodidad sin buscar redención, y convierte esa decisión en el núcleo del relato.
4. El Hilo Fantasma (Paul Thomas Anderson, 2017)
Paul Thomas Anderson construye en El Hilo Fantasma (Phantom Thread) una historia de poder y dependencia dentro de una relación amorosa que se resiste a las categorías simples. El vínculo entre el diseñador Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y Alma se articula a partir de gestos mínimos, silencios y rutinas.
Lo que atrae a Almodóvar es la manera en que Anderson filma el control y la vulnerabilidad sin asignar roles fijos. La película evita explicar psicológicamente a sus personajes y se concentra en la dinámica que los une. El amor aparece como un espacio de negociación constante, donde la estabilidad depende de acuerdos implícitos.
5. Amour (Michael Haneke, 2012)
Amour es una de las películas más contenidas de Michael Haneke. Lejos de la provocación explícita de otros trabajos, aquí el director se concentra en el deterioro físico y emocional de una pareja anciana. El relato avanza sin giros ni golpes de efecto.
Para Almodóvar, la fuerza de Amour está en su rigor. Haneke filma el paso del tiempo como un proceso irreversible, sin concesiones al consuelo narrativo. La película no busca empatía fácil ni distancia irónica. Se mantiene en un registro preciso, atento a los detalles cotidianos que definen una vida compartida.
6. La Ciénaga (Lucrecia Martel, 2001)
La ópera prima de Lucrecia Martel ocupa un lugar central dentro del cine latinoamericano del siglo XXI. La Ciénaga construye un clima de estancamiento físico y moral a través del sonido, el encuadre y una narrativa fragmentada.
Almodóvar destaca la capacidad de Martel para trabajar la atmósfera como elemento estructural. La película no avanza hacia una resolución clara, sino que se mueve en círculos, atrapada en un presente que se repite. El entorno familiar funciona como un sistema cerrado, donde los conflictos no estallan, pero tampoco se resuelven.
7. Valor Sentimental (Joachim Trier, 2025)
La elección de Valor Sentimental (Sentimental Value) confirma el interés de Almodóvar por un cine que reflexiona sobre la memoria y la creación sin recurrir a discursos evidentes. Joachim Trier construye un relato donde el pasado familiar y el presente artístico se cruzan de manera indirecta.
La película observa cómo las relaciones personales se ven afectadas por la necesidad de narrarse a uno mismo. Trier no propone respuestas claras sobre el valor del recuerdo ni sobre el sentido del arte, pero deja que esas preguntas atraviesen a los personajes y definan sus decisiones.
8. Drive My Car (Ryusuke Hamaguchi, 2021)
Basada en un relato de Haruki Murakami, Drive My Car utiliza el tiempo y la repetición como herramientas narrativas. La película se estructura a partir de ensayos teatrales, viajes en auto y conversaciones que se desarrollan sin apuro.
Almodóvar encuentra en Hamaguchi una sensibilidad particular para trabajar el duelo y la comunicación. Los personajes hablan, pero no siempre dicen lo que importa. El cineasta japonés confía en los intervalos, en lo que queda fuera de campo, para construir un relato que avanza por acumulación emocional.
9. Anatomía de una Caída (Justine Triet, 2023)
La película de Justine Triet parte de un juicio, pero se aleja rápidamente del drama judicial clásico. Anatomía de una Caída (Anatomy of a Fall) utiliza la estructura del proceso legal para explorar una relación de pareja atravesada por la ambigüedad y la sospecha.
Lo que interesa a Almodóvar es la forma en que Triet evita tomar partido. La película no busca establecer una verdad definitiva, sino mostrar cómo el relato se construye a partir de fragmentos, testimonios y percepciones parciales. La intimidad se vuelve un territorio inestable, difícil de traducir en términos jurídicos.
10. Sirāt (Oliver Laxe, 2025)
La presencia de Sirāt cierra la lista con una propuesta que combina lo espiritual y lo físico sin separarlos. Oliver Laxe filma el desplazamiento, el desierto y el cuerpo como espacios de transformación.
Almodóvar reconoce en esta película una búsqueda formal que se sostiene en la experiencia sensorial. Sirāt no explica su mundo ni ofrece claves cerradas de lectura. Se apoya en la duración de los planos, en el paisaje y en el movimiento para construir un relato que se vive más de lo que se interpreta.
